Apesar de su relativa juventud, la industria del videojuego ya ha conseguido dejarnos un buen número de figuras que marcaron la diferencia y cuya obra logró que el sector evolucionase, prosperase y llegase a ser lo que es hoy en día. Nolan Bushnell, Ralph Baer, Shigeru Miyamoto o Hideo Kojima son algunos de los nombres más importantes que, en sus respectivas épocas, han marcado a los jugadores de todo el mundo a través de sus producciones. Sin embargo, en ese Olimpo de los dioses de los videojuegos se encuentra un hombre al que la historia no ha tratado con toda la justicia que se merecería. Pionero en prácticamente todo, padre de infinidad de géneros y genio sin igual, Yu Suzuki se vio obligado por las circunstancias de la época a retirarse antes de tiempo. Un retiro que parecía poner punto y final a un currículo lleno de grandes éxitos, pero que no hizo más que agrandar su leyenda hasta convertirlo en uno de los hombres más buscados de los últimos años. De hecho, ha sido el tiempo el que ha llevado a críticos, usuarios y gente de la propia industria del videojuego a reconocer la importancia de Suzuki en el sector. No se puede negar que, a día de hoy, es fácil que los nombres más antiguos caigan en el olvido en detrimento de la segunda oleada de talentos clásicos. Donde antes se hablaba de Bushnell y Baer, ahora se habla de Miyamoto y Suzuki. La principal diferencia radica en que, mientras los primeros eran técnicos que se encargaban de crear máquinas funcionales y programas más o menos complejos, los segundos son creativos. Es cierto que para que un videojuego funcione adecuadamente, la colaboración entre los expertos del apartado técnico y los creativos es casi fundamental; sin embargo, al igual que en una buena película, lo que acaba primando es la firma de la figura creativa, que ha dirigido el proyecto y ha conseguido dar forma a su visión en una pantalla. Esa persona que ha logrado presentarnos un universo particular en el que nos invita a sumergirnos para darnos un baño de imágenes y experimentar ese aura de virtualidad que envuelve al jugador en toda producción videolúdica. Es posible que, a nivel creativo, Shigeru Miyamoto sea una de las figuras más reconocidas, apreciadas y respetadas del sector de los videojuegos. El gran éxito del que han gozado desde siempre los juegos de Nintendo (la mayoría de ellos bajo su supervisión) avala la exitosa carrera del creativo nipón, a quien muchos califican como el padre de los videojuegos por todo lo que ha hecho por este sector. Sin embargo, tal y como Yu Suzuki dijo en una entrevista a la revista online 1Up en 2010, «Si Miyamoto es el padre de los videojuegos, entonces supongo que yo soy la madre». Hombre reservado como pocos, Suzuki es consciente del gran calado que han tenido sus obras en la industria del videojuego, así como del éxito que han cosechado por todo el mundo.

Pese a que hablamos de dos genios sin igual, Miyamoto y Suzuki son muy diferentes. Para empezar, Suzuki conoce mucho mejor el aspecto técnico de los videojuegos y es más habitual que se deje llevar por los elementos de programación, desarrollo de hardware e innovación. Es un incansable buscador de nuevos conceptos, opuesto a centrarse siempre en las mismas franquicias en pos de buscar nuevas vías de diversión, aunque para ello tenga que cambiar radicalmente el propio concepto del videojuego tal y como se conocía hasta ese momento.

PRIMEROS PASOS

Yu Suzuki nace el 10 de junio de 1958 en Kamaishi, en la prefectura de Iwate (Japón). Según comenta, tuvo una buena infancia con su familia (padres y hermana). Sus padres eran profesores de primaria y fueron ellos los que empezaron a inculcarle desde la más tierna niñez el interés por la música y el arte. A raíz del impulso de sus progenitores, Yu Suzuki empezó a interesarse por diversos tipos de creaciones artísticas: empezó a dibujar, a montar modelos de coches, casas en miniatura, robots de plástico… Era como si nada más nacer hubiese sentido ese gusanillo por crear, aunque fuese a un nivel tan básico como usar piezas de plástico para dar forma a todas aquellas ideas que querían salir de su mente.

El respeto que sentía Yu Suzuki por sus padres se plasmó en su intento de realizar unos estudios superiores de educación para llegar a ser profesor, igual que ellos. Tras esta primera fase, su espíritu artístico le llevó a intentar ganarse la vida como ilustrador, aunque finalmente acabase intentando ingresar en la universidad para estudiar odontología. El sistema universitario japonés difiere mucho del español y la forma de acceder a los estudios superiores es mediante un examen de acceso que se ha de realizar en la universidad en la que se quiere entrar. Según parece, el destino no quiso que Suzuki fuese un simple dentista y suspendió dicho examen. El siguiente paso que dio un joven con tantas pasiones tan bien definidas fue tocar la guitarra. Puesto que se trataba de una de sus mayores pasiones y había estado formándose musicalmente desde bien pequeño, el paso era relativamente lógico. Pero, tal y como declaró el propio Suzuki en una entrevista a G4TV, por mucho que practicase no conseguía ser especialmente bueno ni lograba destacar en el terreno musical.

En este momento, Suzuki reflexionó sobre su futuro haciendo introspección, recordando la época en la que montaba pequeños robots y casitas de madera. Esa idea de crear, de construir, fue la que le llevó al campo de la programación. No en vano, para él no existía diferencia alguna entre construir maquetas y programar; era como seguir creando cosas a partir de elementos menores, aunque el formato digital y electrónico tuviesen unas reglas muy diferentes. A principios de los años 80 terminó sus estudios de programación en la Facultad de Ciencias de la Universidad de Okayama. Dicho título le abriría las puertas de Sega en 1983, donde entró para trabajar como programador.

Aquel año fue especialmente interesante para el sector del videojuego. El mercado norteamericano se había hundido por su propio peso, en gran medida debido a la mala gestión que hizo Atari de su éxito, y los efectos se hacían notar en todo el mundo. Sega, que hasta entonces había sido líder indiscutible de los salones recreativos, e incluso se había encargado de adaptar las grandes producciones del mercado arcade a los hogares de todo el mundo, fue una de las muchas compañías que sufrieron las consecuencias de dicha crisis inesperada. Si consiguió sobrevivir fue, sobre todo, gracias a una serie de maniobras administrativas y corporativas. Su fundador, David Rosen, había comprado una compañía japonesa de distribución en 1979, cuyo fundador era Hayao Nakayama. Fueron estos dos hombres quienes intervinieron personalmente para salvar a Sega de la quiebra, ya que Nakayama y un grupo de inversores compraron todas las acciones de la compañía (que pertenecían a otra empresa en aquel momento). De este modo, Sega volvió a nacer con más fuerza que antes y se dividió en dos ramas: Sega of Japan y Sega of America.

La nueva Sega pretendía mantener su hegemonía en el mercado de las recreativas y, al mismo tiempo, dejar de depender de terceros para llevar sus producciones a los hogares de todo el mundo (en gran medida, porque veían el potencial de ese mercado y no querían volver a vivir un caso como el de Atari y el duro golpe sufrido por el sector aquel año). Así pues, durante 1983 llegó al mercado la primera consola doméstica de Sega, cuyo nombre era SG-1000. Junto a ella, se puso a la venta también una versión más profesional que se vendía casi como un ordenador personal, llamada SC-3000H. Sin embargo, en Japón ambas plataformas estarían a la sombra de otro sistema que se lanzó aquel mismo año: la famosa Famicom de Nintendo (más conocida como NES en nuestro territorio). El miedo a la crisis sufrida recientemente en el sector provocó que la máquina no saliese del territorio nipón. Tampoco la consola de Nintendo llegó a Norteamérica hasta 1985, y lo hizo seguida muy de cerca por la posterior plataforma de Sega, Master System (que se lanzaría en Japón en 1985 con el nombre de Mark III y llegaría a Norteamérica en 1986; en Europa tuvimos que esperar hasta 1987).

Estos nuevos planes de expansión por distintos mercados y la necesidad de reinventar el propio sector del videojuego con nuevas propuestas fue lo que provocó que en 1983 Sega se lanzase a la contratación de diversos programadores prometedores, que pudiesen ser capaces de dar la vuelta a la situación y mantener el logotipo de la compañía como un referente a tener en cuenta en los salones recreativos. Yu Suzuki era uno de los elegidos y, de hecho, su motivación era total: cuando entró en Sega, lo hizo con ganas de erradicar la imagen negativa tan expandida de los videojuegos y con el pleno convencimiento de que se podía llegar a crear un gran mercado a partir de ellos. Aunque el debate entre defensores y detractores de los videojuegos sigue siendo acalorado incluso a día de hoy, no se puede negar que sí se ha conseguido crear un gran mercado que ha superado a grandes industrias como la del cine o la música, algo para lo cual fueron de suma importancia las contribuciones de genios creativos como este.

CHAMPION BOXING

La primera obra de Yu Suzuki en Sega fue un juego arcade 2D de boxeo titulado Champion Boxing. A los menos conocedores de la obra de Suzuki les puede chocar que su primera incursión en esta industria fuese con un título de boxeo, pero esto no hace más que demostrar la versatilidad de Yu Suzuki como diseñador de videojuegos. También fue una de las primeras producciones del equipo AM2 de Sega, un estudio icónico del sector de los videojuegos del que Yu Suzuki no tardó en convertirse en líder. Champion Boxing era la primera muestra del tipo de juegos con los que Suzuki iba a sorprender al mundo durante los años sucesivos: un juego duro, que intentaba recrear con la máxima fidelidad posible el mundo del boxeo pese a las limitaciones de la época. Como es lógico, los juegos deportivos de este estilo suelen quedarse anticuados muy pronto y por eso este título no ha perdurado en la historia como sí lo han hecho otras producciones. Pese a todo, en la época consiguió hacerse un hueco en los salones recreativos, así como en el mercado doméstico gracias a las versiones para SG-1000 y MSX. Su éxito propició que, en 1985, se lanzase Champion Pro Wrestling, un juego que heredaba el estilo y las mecánicas del título de boxeo, pero adaptándolas a una nueva modalidad de competición. El resultado fue bastante parejo, pero a diferencia de la entrega de boxeo este juego no consiguió transmitir con el mismo éxito las emociones y sensaciones del mundo de la lucha libre.

HANG-ON

A la tercera fue la vencida y Yu Suzuki empezó a hacerse notar con un juego revolucionario que sigue siendo muy respetado a día de hoy: Hang-On (1985). Suzuki era un gran aficionado a las motos y quiso crear un juego que consiguiese recrear con la máxima fidelidad posible el mundo del motociclismo. Para tal fin, insistió mucho en que la máquina recreativa tuviese forma de moto. Aunque llegaron a lanzarse tres modelos de la recreativa (una tradicional con manillar y freno en vez de joystick y botones; la misma máquina con un asiento; y la de moto completa), sería el modelo con forma de moto el que marcaría la diferencia a la hora de disfrutar del juego. Según comentó en una entrevista a G4TV, Suzuki era un apasionado de las motos y, en cuanto tuvieron un prototipo de esa máquina recreativa, se pasó horas probándolo y montando una y otra vez para asegurarse de que el juego era perfecto.

Pero Hang-On no revolucionó el mercado únicamente por su novedosa máquina recreativa y su gran jugabilidad, sino que también sorprendió a todo el mundo por su espectacular apartado visual. Fue uno de los primeros juegos para recreativa en usar gráficos de 16 bits y la tecnología Super Scaler de Sega, que permitía mostrar una elevada tasa de imágenes por segundo y un escalado de los sprites que conseguían simular entornos pseudotridimensionales. Esto, que resultaba sorprendente a los usuarios de la época (y sobre todo, a la competencia), fue algo que a un visionario como Yu Suzuki le resultaba bastante natural. Según comentaba en 2010 a la revista online 1Up:

El éxito de Hang-On fue tal que se expandiría mucho más allá de los salones recreativos para llegar a SG-1000, Master System, MSX, un remake poligonal para Saturn e incluso estaría incluido como juego completo en Shenmue. En 1987 se lanzaría una segunda entrega bajo el título de Super Hang-On. Un juego muy similar en todos los aspectos (incluso en la presentación de la máquina recreativa), pero que lucía un apartado gráfico muy superior y, en las versiones domésticas, diferentes modos de juego. Llegaría a ser tan conocido como su predecesor o incluso más, en gran medida gracias a que fue adaptado a más de una docena de plataformas a lo largo de los años, entre las que fue especialmente famosa la versión de Mega Drive.

SPACE HARRIER

Antes comentábamos que Yu Suzuki es una mente inquieta que está siempre intentando adentrarse en nuevos terrenos y no anclarse en una única franquicia. Su deseo por innovar y revolucionar el propio mercado de los videojuegos provocó que, pese al éxito de su juego de motos, quisiese dar el salto a otro concepto completamente original. Nada más acabar con Hang-On, se puso a trabajar en el documento de diseño de un título de corte muy realista protagonizado por un jet que disparaba misiles. Fueron unas 100 páginas de documento, pero por culpa de las limitaciones de la época tuvo que empezar a recortar elementos del juego y a cambiar diversos aspectos del mismo hasta que, al final, se quedaron solo con un personaje flotando por el aire sin ningún tipo de vehículo. Fue así como, en 1985, nació otro de los títulos más famosos de la historia de los videojuegos: Space Harrier.

Para suplir la carencia de vehículo, se optó por abandonar todo aquel realismo inicial para crear un título de ciencia ficción con elementos fantásticos. Nada quedaba ya de aquella idea inicial de Yu Suzuki, de la que, según le comentaba a 1Up, tan solo quedaba el Harrier del título, y únicamente porque quería dejar algo de aquel concepto original. Sin embargo, pese a las dificultades, complicaciones y limitaciones, fue capaz de alterar la idea hasta el punto de crear una obra maestra que revolucionó el mercado una vez más. El juego hacía uso de la misma tecnología Super Scaler de Sega, con gráficos pseudotridimensionales en los que el jugador tenía la sensación de estar avanzando hacia adelante. Si en Hang-On el efecto era espectacular, en Space Harrier superaba todos los límites conocidos hasta la fecha y se convertía en todo un espectáculo de frenetismo y adrenalina. Tal fue el éxito de esta obra que se llegó a lanzar en casi tres decenas de plataformas diferentes, la mayoría de ellas en la época, pero también en algunas actuales como 3DS, PlayStation 3, Xbox 360 o Wii (varias de ellas son versiones revisadas y mejoradas del original). Por si fuera poco, al igual que Hang-On, también se incluía como extra en Shenmue y, además, contó con un gran número de entregas posteriores como Space Harrier 3D, Space Harrier II, Planet Harriers o Typing Space Harrier (aunque Yu Suzuki ya no participó en ellas).

Space Harrier es un juego en el que el «Harrier», un hombre rubio y cuyo pasado o verdadero objetivo son completamente desconocidos para el jugador, es capaz de moverse por toda la pantalla mientras dispara a los enemigos y objetos que avanzan hacia él. Es una dinámica de shooter bastante básica y bien conocida, pero con la peculiaridad de poder moverse por cualquier rincón de la pantalla gracias a la habilidad de volar del protagonista. El juego, aunque tenga un aspecto de ciencia ficción, está ambientado en Fantasy Zone («Zona Fantasía») y todos sus enemigos lucen características propias del cine fantástico. Concretamente, hay mucha inspiración sacada de La Historia interminable, una obra de la que Suzuki es un gran amante y a la que rindió un pequeño homenaje con este juego.

OUTRUN

Tras acumular dos éxitos seguidos y satisfacer dos de sus pasiones (las motos y La Historia interminable), Yu Suzuki quiso que su siguiente paso fuese trasladar a un videojuego su pasión por los Ferrari. El patrón empezaba a ser bastante claro: el creativo nipón siempre buscaba la forma de trasladar a un videojuego sus mayores pasiones, de la forma más realista posible, y puede que fuese ese afán por el perfeccionismo y esas ganas de hacer justicia al producto real lo que convertía esas ideas en juegos de éxito. Con OutRun llegó su tercer gran éxito seguido, un título que se adaptó a casi dos decenas de plataformas diferentes a lo largo de los años y que contó con numerosas entregas (algunas eran revisiones del título original y otras juegos completamente diferentes que mantenían el nombre: OutRun 3D, Battle OutRun, OutRun Europa, OutRunners, OutRun 2019 y OutRun 2006). Corría el año 1986 y, en apenas tres años en la compañía, Yu Suzuki había conseguido devolverla a lo más alto del panorama internacional con espectaculares recreativas que, en la época, sus competidoras eran incapaces de igualar.

El juego se basaba, como decíamos, en la pasión del creativo nipón por conducir un Ferrari… aunque en realidad no se tenía la licencia del fabricante italiano y en ningún momento se hace referencia a la marca. Sin embargo, el Ferrari Testarossa es fácilmente reconocible, así como el estilo de vida tan norteamericano de la época, con un ricachón que recorría paisajes de playa con una chica rubia en el asiento del copiloto. OutRun hacía uso, una vez más, de la tecnología Super Scaler de Sega, que tan buenos resultados había dado ya en sus dos apariciones anteriores. Sin embargo, las mejoras técnicas que se introdujeron durante los pocos años transcurridos hacían destacar a OutRun como la culminación del uso de dicha tecnología. Y, al igual que con Hang-On, Suzuki quiso preparar una máquina especial, que si bien no era un Ferrari entero sí que simulaba un asiento de piloto: volante, freno, acelerador, cambio de marchas… El éxito de este juego tan intenso, divertido, difícil y ridículamente adictivo fue tal que incluso fue premiado con el galardón a mejor juego del año en los Golden Joystick Awards.

AFTER BURNER

Una de las mayores virtudes (o defectos, según se mire) de Yu Suzuki es que nunca tira la toalla y lucha por aquello en lo que cree hasta las últimas consecuencias. Por eso aquella idea original de Space Harrier, en la que se pilotaba un jet en un entorno realista, nunca abandonó su cabeza y no tardaría demasiado en poder hacerla realidad. Corría el año 1987 cuando After Burner llegó a las tiendas y triunfó entre los jugadores de todo el mundo. El juego nos ponía a los mandos de un avión de combate parecido al F-14 Tomcat y nos proponía una experiencia de combate aéreo realista, con claras inspiraciones en Top Gun. After Burner era un juego que ya en los propios recreativos se reconocía como un título de Sega: contaba con una máquina espectacular, que emulaba la cabina de un avión (de forma bastante modesta, claro está); presentaba un realismo en su sistema de control que lo convertía en una experiencia única e inevitablemente compleja; y, por último, lucía un apartado gráfico verdaderamente espectacular gracias, una vez más, a la tecnología Super Scaler de Sega.

El motivo por el que la misma tecnología que usaba Space Harrier ahora sí podía hacer semejante despliegue visual en pantalla era que se trataba de un sistema muy mejorado a nivel técnico: la placa Sega X, que permitía ofrecer gráficos pseudo-3D y gestionar los sprites con una soltura casi impensable para la época. Tal fue así, que su espectacular apartado visual fue premiado en los Gamest Awards de Japón. After Burner se convirtió en una auténtica máquina «tragaperras», ya que su enorme calidad y su elevada complejidad provocaron que muchos niños y mayores se dejasen numerosas monedas en ella. Tal fue el éxito del juego que acabó convirtiéndose en una de las franquicias estrella de Sega y no se hizo esperar una segunda entrega.

Aquel mismo año 1987 llegaba a los salones recreativos After Burner II, un juego que más que una continuación resultaba ser una versión mejorada del anterior, con nuevos niveles, una secuencia de introducción más elaborada y nuevos enemigos. Además, añadía una nueva función a los controles básicos del original, ya que ahora se podía acelerar o frenar el avión, lo cual permitiría llevar a cabo diversas maniobras de avance, esquiva, etcétera. Estas dos primeras entregas llegarían a lanzarse en más de una veintena de plataformas, algunas de ellas tan recientes como smartphones actuales, además de diversas continuaciones para todo tipo de plataformas, aunque Suzuki ya no estaría involucrado en ellas.

AÑOS DE RELAJACIÓN

En apenas unos años, el joven Yu Suzuki había conseguido crear cuatro franquicias de renombre que darían alas a los años dorados de Sega, una compañía que gracias a él había arrasado en el mercado de las recreativas y que, tal y como comentábamos antes, estaba empezando a adentrarse en el ámbito doméstico con bastante éxito. Precisamente por eso, en vez de seguir lanzándose a la aventura con nuevos juegos rompedores y mecánicas innovadoras, Sega encomendó a Yu Suzuki que se dedicase a potenciar lo ya conseguido para asentar los pilares básicos de su éxito y terminar de cimentar aquellas franquicias que habían encandilado a todo el planeta.

Fue así como, en 1986, se lanzó Super Hang-On, un juego que continuaba la franquicia de motociclismo mejorándola en todos y cada uno de los apartados que se podían mejorar y que consiguió un éxito muy superior al de su predecesor (en parte gracias a las mejoras tecnológicas de la época). Ese mismo año vería también la luz Enduro Racer, un juego que a grandes rasgos era igual a Hang-On en cuanto a mecánicas y apartado gráfico, pero con la particularidad de estar ambientado en las carreras de enduro por el barro. Como comentábamos antes, también llegaría una segunda entrega de After Burner en 1987, antes de lanzar Power Drift en 1988. Dicho juego era una versión desenfadada y más frenética de OutRun, con una competición alocada por circuitos imposibles en un torneo que muchos consideran el precursor de los actuales juegos de karts (aunque sin objetos). En 1989 se lanzaría Turbo OutRun, un juego que, al igual que Super Hang-On, se nos presentaba como una versión mejorada del título original, aunque con cambios menores en la jugabilidad: ahora hay un botón de turbo para dar un acelerón, ya no hay caminos para elegir y se trata de una ruta directa entre Nueva York y Los Ángeles, con el jugador conduciendo un Ferrari F40 y enfrentándose al Porsche 959 de los rivales. En 1989 participaría en el desarrollo de Sword of Vermillion para Mega Drive, su primer juego creado directamente para consolas. Se trataba de un título de rol que intentaba emular los grandes juegos de la época y que, hasta cierto punto, tuvo bastante éxito y fue uno de los primeros que se comercializaron (y promocionaron) de la consola de 16 bits de Sega. Sin embargo, envejeció bastante mal y Phantasy Star II, apenas un año después, le quitó el trono de juego de rol estrella de la plataforma.

También participó, en 1990, en G-Loc, un juego que, pese al título y al planteamiento se trata de una continuación de After Burner que se centra en los duelos de cazas y cuya máquina recreativa fue verdaderamente revolucionaria. Si ya en After Burner II Suzuki añadió la posibilidad de acelerar o frenar para poder realizar diversas maniobras, el siguiente paso hacia el realismo sería conseguir que el jugador sintiese en sus propias carnes dichas maniobras. Fue así como nació una de las máquinas recreativas más importantes de la época, emulada hasta la saciedad por diferentes compañías desde entonces: la R-360, una cabina giroscópica que giraba 360º y que transmitía al jugador todos los movimientos y acciones que realizase con su avión.

En 1991 participó en el desarrollo de Rent-A-Hero, un juego de rol y acción que se lanzaría para Mega Drive y que se convertiría en una revolución para el género: sería el primer título de rol japonés de la historia en el que los combates no se desarrollaban por turnos, sino que eran en tiempo real y con un sistema de control propio del género de lucha en 2D. El juego fue revolucionario en Japón e incluso contó con un remake para Dreamcast y para la primera Xbox, aunque por desgracia ninguna de las tres versiones llegó a ver la luz fuera del país nipón. A día de hoy está considerado uno de los juegos emblemáticos de la historia de los videojuegos y una pieza clave de coleccionismo.

Durante estos años, Yu Suzuki siguió manteniendo el nivel pero sin llegar a destacar, como sí había hecho en los años anteriores. Esto no se debió a una crisis de creatividad, sino a haber explotado al máximo la tecnología disponible con anteriores trabajos. La situación volvería a dar un cambio importante con la llegada de la Model 1, la primera placa recreativa capaz de generar gráficos poligonales en tres dimensiones.

LAS SAGAS VIRTUA

Sega fue pionera en el campo de los gráficos tridimensionales, revolucionando el mercado cuando todo el mundo pensaba que los chips gráficos de las consolas de 16 bits eran la cima de la evolución visual. De hecho, muchos apostaban más por la videorrealidad que por los gráficos tridimensionales. En ese aspecto, Sega también parecía que se iba a decantar por esas películas virtuales (tecnología conocida como FMV, siglas de Full Motion Video) con su Mega CD, pero el camino marcado fue otro muy diferente.

En 1992, Sega lanzó al mercado Virtua Racing, uno de los juegos más realistas de la época y una producción que llevaba el género de la conducción a unas cotas jamás imaginadas. Tal fue el impacto de Virtua Racing en recreativas y en Mega Drive que revistas tan prestigiosas como GameSpot lo nombraron uno de los 15 videojuegos más influyentes de todos los tiempos, ya que consiguió demostrar que se podían hacer juegos espectaculares con polígonos, más reales y creíbles que los tradicionales producidos con sprites y píxeles.

Si bien Virtua Racing fue un gran éxito y un punto de inflexión en el género de la conducción, Virtua Fighter originó la verdadera revolución: en 1993 Yu Suzuki creó el juego de lucha más realista que jamás se había concebido. Lejos de los sprites y de los entornos bidimensionales, Virtua Fighter ofrecía combates completamente tridimensionales en entornos por los que los personajes podían moverse libremente (con un «fuera del ring» por limitaciones técnicas, pero que conseguía quedar bien como parte de un torneo de artes marciales) y en el que cada luchador tenía habilidades muy específicas de su estilo de combate. Virtua Fighter era un espectáculo técnico y sobre todo jugable, un título que parecía ciencia ficción y que dejó a todos boquiabiertos en la época. Tal fue así, que incluso en Sony afirmaron que fue clave en la creación de la primera PlayStation. Ryoji Akagawa y Shigeo Maruyama confirmaron en alguna ocasión que PlayStation nacía con la idea de ser una plataforma que usase las 2D como base técnica, pero gracias a Virtua Fighter prefirieron centrarse en crear un motor gráfico 3D para la consola. Incluso el Instituto Smithsonian premió a la franquicia Virtua Fighter por su gran contribución a la sociedad en el terreno del arte y el entretenimiento.

Pero aquella placa Model 1 era solo la punta del iceberg de lo que las 3D podían llegar a ofrecer. Con la llegada de la placa Model 2, el salto fue brutal. Aunque Suzuki tuvo una participación menor en Daytona USA (1993), el primer juego de Sega para Model 2, su momento de gloria con dicha placa llegaría en 1994, año en el que Sega lanzó al mercado Virtua Cop. Fue un juego que también marcó una época en los salones recreativos, ya que puso de moda los gráficos tridimensionales en los arcades de disparos y su fantástica pistola de luz fue imitada hasta la saciedad por los rivales de Sega. En ese mismo año 1994 también llegaría Virtua Fighter 2, un juego que aprovechaba toda la potencia de la nueva placa para dejar en evidencia, tanto a nivel técnico como jugable, a su predecesor y a todos los juegos de la época. Según comentó en una entrevista concedida a 1Up, Suzuki guarda un recuerdo muy especial de este juego, al que destaca como su favorito.

Durante unos años, la saga Virtua y sus productos derivados serían el eje central del trabajo de Suzuki: Fighting Vipers (1995, uno de los primeros juegos de lucha en los que los personajes usaban armaduras), Virtua Cop 2 (1995), Virtua Fighter Kids (1996), Fighters Megamix (1996), Sonic the Fighters (1996), Virtua Fighter 3 (1996) y Virtua Fighter 3 Team Battle (1997) adornan su currículo de esas fechas. Sin embargo, en ninguna de esas producciones estuvo tan involucrado como en sus anteriores obras, tan solo ejerciendo labores de producción, asesoría o, simplemente, con un papel reconocido en los agradecimientos del juego. El desarrollador reniega de algunos de estos títulos, como es el caso de Fighters Megamix¹